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Historia de la salsa

Es Cuba el país en el que se da la mayor parte de esa fusión de ritmos que llamamos salsa.

La influencia española en todos los aspectos de la cultura caribeña ha sido importantísima durante los 4 siglos que estuvimos en El Caribe.

Por su parte, la cultura africana, igualmente con sus ritmos, su percusión y sus bailes, han marcado una gran diferencia en todo lo latino musical y artísticamente hablando.

Un toque final norteamericano y puertorriqueño, es lo que le da ese toque final al Concepto Salsa. Dejo aquí el documental que hice en su día y para verlo con wi-fi.

En esta otra página (acceder), está lo que es la salsa en sí como música y como baile, con todos los géneros que engloba.

Caribe precolombino

Hacia 1492, españa (Cristobal Colón y otros tantos conquistadores) entra en Las Antillas, y en 50 años se termina con todo rastro de vida indígena.

Como referencia de la cultura precolombina quedan los areitos, ceremonias de los aborígenes antillanos en las que los integrantes de la tribu conmemoraban acontecimientos pasados y/o recientes de todo índole.

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Areitos

Siglo XVI en Las Antillas

A partir de 1510, comienza el tráfico de esclavos desde áfrica a las regiones conquistadas, y con ellos sus tradiciones relativas a música y danza, siendo la percusión su característica identitaria, las manadas de tambores.

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Tambores Batá

Durante mucho tiempo, hubo una clara diferenciación entre la música española y la africana, siendo éstas separadas por su clases social inherente a ellas.

Pero con el devenir de los siglos, se produjo una fusión entre la cultura musical española y la afrocubana. La primera había aportado, además, la alternancia entre cánticos del vocalista principal con los del resto de la tribu en forma de coro, la segunda había introducido la melodía, los instrumentos de cuerda, y las frases.

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vihuela y arpa

Siglo XVIII en Las Antillas

De mediados del siglo XVIII a mediados del XIX, la contradanza es el género reinante en Cuba, junto con sus derivados danzón y habanera. Cabe destacar que en puerto rico, la contradanza también tuvo mucha popularidad.

Hay varias tesis a este respecto: Alguna dice que la contradanza viene de la inmigración francesa hacia cuba procedente de la revolución haitiana, en la que incluyeron a sus sirvientes criollos, lo que situaría su origen en la contradanza francesa y el minué, pero incorporando ya la fusión con lo africano a través de los mencionados criollos. También se atribuye su raíz a influencia española, como una adaptación del country dance francés, al que se le fusiona la conga y la influencia africana ya en Las Antillas.

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Contradanza

La contradanza dará lugar a la danza cubana, que a su vez se lo dará a la habanera, que será el primer género vocal propio cubano. En esta última, los ritmos africanos se fusionarán con el verso español y con su melodía proveniente de la cuerda.

Con origen en la contradanza francesa y en la inglesa a partir de su acriollamiento por los negros y mulatos cubanos, la habanera llega como baile incluyendo figuras a finales del siglo XVIII desde España y Estados Unidos. Se incrementa en 1762 con la toma de La Habana por los ingleses y con la inmigración (ya mencionada)

Se incrementó a partir de 1762, por la toma de La Habana por los ingleses. sus ritmos de tango o tango congo dejarán una base sobre la que construir futuros géneros.

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Habanera

Siglo XIX en Las Antillas

Sobre la década de 1840, se produjo una importante migración de cubanos hacia Puerto Rico, y con ellos llevaron la habanera a esta segunda isla.

Quedándonos en Puerto Rico, hay registros históricos de finales del siglo XVIII en los que ya se menciona la bomba. De origen franco-haitiano, con una gran influencia afro-francesa, denominada así por su uso del tambor bomba.

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Tambores Bomba

Es en esa época cuando los ingleses intentan tomar Puerto Rico, siendo reprimidos por los españoles, franceses, y esclavos negros. En gratitud por la ayuda a esclavos de origen africano, se les dio la libertad a una gran cantidad de ellos, yéndose éstos a vivir a las denominadas aldeas loiza.

Loiza Aldea principios del siglo XX - relatossalseros.wordpress.com
Loiza aldea

Fue tal el número de negros liberados el que llegó a la zona norte del país, que el gobierno tuvo que destinarles lugares específicos.

La población de origen africano del Puerto Rico de aquella época tenía un sólo un 40% de esclavos (sólo… porque en cuba todavía lo eran todos), así que el 60% restante ya estaba desarrollando su propia identidad cultural y musical de una forma libre.

Es por eso que los ritmos afroboricuas, cobran anticipación histórica con respecto  a otros que veremos más tarde. En 1873 queda abolida la esclavitud en Puerto Rico.

Al son de los tambores un un hombre se arranca a cantar, haciéndole coro los que le rodean. Arranca después una mujer, y con un pañuelo agarrado por ambos y sin tocarse, se inician los ademanes eróticos de conquista entre ellos.

También era habitual verla bailada en grupos. De hecho, es un baile que se presta a la celebración conjunta de eventos. Ofrecía pues, distintas variantes. Al paseo que precede al arranque del baile al sonido de los tambores, se le llama pasear la bomba.

De origen afro-frances, es tremendamente diferentes a los bailes puramente africanos.

Volviendo a cuba, de la danza y la habanera surgirá el danzón a finales del siglo XIX (el primero de todos se le atribuye Miguel Faílde en 1879), cuya composición instrumental típica fue variando hasta alcanzar flauta, piano, arco (violines y contrabajo), y percusión en forma de timbales y guiró

timbales y guiro - relatossalseros.wordpress.com
Timbales y guiró

Serían las llamadas charangas francesas, conocidas hoy día simplemente como charangas, las que abrazarían este género dominante en cuba desde finales del siglo XIX hasta la segunda década del XX.

charanga orquesta america - relatossalseros.wordpress.com
charanga «orquesta américa»

La rumba nace en España, es la rumba flamenca de los gitanos, y llega a Cuba con la llegada de los conquistadores.

En 1886 queda abolida la esclavitud en cuba, y muchos de los esclavos de origen africano dejan los pueblos para trasladarse a ciudades, ocupando las afueras de estas en los llamados solares o zonas marginales.

En ellos, se popularizó la llamada rumba, que venía a representar las fiestas y saraos bailongos que allí se organizaban. Hoy en día en gran parte de latinoamérica se le llama rumbear a salir de fiesta.

La bomba y la rumba están intrínsecamente ligadas, siendo esta última anterior (al menos documentadamente) a la primera por lo comentado al respecto del tiempo en que se liberan los esclavos en puerto rico y cuba respectivamente.

Dada la extrema pobreza de estas poblaciones, empezaron su rumba con utensilios caseros y de trabajo como instrumentos. El término rumba de cajón viene de utilizar en aquella época, los cajones para transportar pescado como percusión.

familia cubana 1898 - relatossalseros.wordpress.com
familia cubana 1898

La tumba, el llamador, y el quinto, pasarán a sustituir los mencionados cajones, y muchos otros pasarán a formar parte del instrumentario habitual.

tambor llamador y distribucion de percusion afrocubana finales siglo xix - relatossalseros.wordpress.com
Tambor llamador y distribucion de percusion afrocubana finales siglo XIX

No obstante, durante todo el siglo XIX queda un recuerdo de la rumba de tiempo de España, referida a cómo se bailaba durante el gran periodo de colonización. Aunque es la influencia de la percusión afrocubana la que ha marcado este género, junto con sus coros en el canto. En cualquier caso, la rumba cubana es una fusión de la rumba española con la percusión de origen africano.

Flamenco español (extracto)

Sin entrar en detalles de la parte musical, la rumba como baile tiene 3 estilos bien diferenciados:

La columbia, de ritmo acelerado en la que un hombre solo reta al quinto (tambor) con movimientos acrobáticos (al igual que en la bomba puertorriqueña). el guaguancó, que referencia a un suceso o personaje del pueblo, y en el que el hombre trata de «vacunar» a la mujer con movimientos pélvicos, mientras que ella a su vez se protege de ellos. el yambú, o rumba lenta sin «vacunaos», propia de la vejez.

En Puerto Rico, a finales del siglo XIX, se empieza a original la plena, si bien es en los años 20 del siglo XX cuando empieza a popularizar, especialmente en Ponce.

Con raíces en el baile africano, e influenciada por la música del jíbaro y por bailes europeos, alcanzó coutas de popularidad alta en todas las clases sociales puertorriqueñas.

Plena de Puerto Rico (extractos)

De vuelta a Cuba, se cree que es también a finales del siglo XIX, poco antes de que saliésemos de Cuba, cuando la música cubana cobra su verdadera identidad con el son. se popularización se atribuye a la parte oriental de la isla: Santiago de Cuba, Sierra Maestra,y Guantánamo (con sus populares changüi, interminables fiestas en las que se improvisaba música y baile).

A esas alturas, músicos como Nené Manfugás ya habían introducido el tres cubano, y con la changüi ya habían puesto el germen de lo que sería el son.

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Tres cubano

Género musical que se basaría en la repetición de un estribillo de cuatro tiempos por un coro, llamado montuno, en alternancia con versos improvisados por un solista.

Los instrumentos base del son eran el tres cubano, la guitarra, el bongo, las maracas, la clave, la marímbula, y la botija. los dos primeros introducidos por los españoles. Los otros, de influencia africana, siendo sustituidos los dos últimos por el contrabajo al llegar el son a las urbes.

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Clave, marímbula, bongos, y botija

Siglo XX en Cuba

Años 10 y 20 en Cuba

Para principios del siglo XX, el son ya se había propagado por toda Cuba. Su origen campesino había entrado en las ciudades con la inmigración hacia ellas, y los grupos pasaron de tener 4 a 7 y 7 más integrantes, incluyendo trompetista.c

Tildado de música de clase social baja, llegó a estar prohibido por el gobierno por considerarlo inmoral. Sin embargo, a partir de los años 20, se convirtió en el icono nacional de la música cubana, pasando de los solares (barrios pobres) a los clubes (clases altas) gracias agrupaciones como el Sexteto habanero (aunque llegaron a ser 7 integrantes).

sexteto habanero - relatossalseros.wordpress.com
sexteto habanero

Años 30 en Cuba

Los años 30 servirián para internacionalizar el son hacia Estados Unidos y hacia Europa, con Antonio Machín como una de sus figuras destacadas en la Orquesta de Don Azpiazu, entre otras. el danzonete (vivo únicamente en esta década) surgirá como una fusión entre danzón y son, incorporando voz a las charangas. Se darán también otras fusiones como el danzón mambo, y nuevos formatos orquestales, como los combos y los conjuntos (agregación de músicos considerándose una única unidad por su forma de compenetración).

En 1938 los hermanos Orestes López e Israel López («cachao») crean el mambo como una modificación del danzón mambo. Arsenio Rodríguez de daría su empuje a través de su conga, más aún en los 40 con sus conjuntos que incluían trompeta y piano.

Años 40 en Cuba

En los años 40, se empiezan a añadir más instrumentos a las bandas, entrando una trompeta más, un piano, o la tumbadora (o conga). la guitarra desaparecerá, dejándo el tres cubano como cuerda hegemónica.

tumbadora (conga) - relatossalseros.wordpress.com
tumbadora (o conga)

Arsenio Rodríguez, tresero y genio y figura del son-montuno, emergerá como símbolo en esta época. será en su banda donde se comiencen a popularizar los tumbaos, bases rítmicas inherentes a la música cubana generadas principalmente por el bajo y/o el piano.

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ArsenioRodríguez

Tumbao de piano (extracto)

El danzón con sus variantes en charangas, convivirán con el son en sus conjuntos, siendo estos segundos los que terminen predominando. la sonora matanceña será el conjunto con más nombre en esta década.

En lo que a mambo se refiere, Bebo Valdés y René Hernández (que emigraría a Nueva York para trabajar con Machito) ayudaron a perfeccionarlo mientras buscaban sofisticar los sonidos de sus orquestas (eran ambos arreglistas).

Será Pérez Prado quien impulse el género desde Méjico a partir de 1948.

Perez Prado - relatossalseros.wordpress.com
Pérez Prado

Años 50 en Cuba

Los años 50 es la década de Benny Moré, revolucionando el son cubano con su forma de hacer música. Es también la década de las big bands o grandes orquestas. las charangas (típicas orquestas cubanas con bolero y guaracha y son entre su repertorio) se habían arrancado también con el son.

benny more - machito y los afrocubanos - charanga - relatossalseros.wordpress.com
Benny Moré, Machito y los afrocubanos, y una Charanga cubana

Benny Moré y su big band: Qué bueno baila usted (extracto) – años 40

A principios de los 50, el cha-cha-chá se crea como una forma de hacer bailable el danzón mambo, volviendo a hacer emerger a las charangas, aunque no será hasta mitad de década cuando explote.

Será el mambo el que revolucione las salas de baile durante esta década y hasta mediados de los 60, con Pérez Prado como su principal impulsor (ya desde Nueva York). Los saxofones al unísono en el registro grave y las trompetas en el agudo, marcarían una diferencia enloquecedora para el gran público.

Pérez Prado: qué rico mambo (extracto)

Tito Puente y Tito Rodríguez (en Nueva York), gobernarán los mencionados salones de baile con sus orquestas, que por otra parte tendrán mucha influencia jazz. en Cuba, la orquesta Riverside y la de Bebo Valdés sonarán de forma más tradicional.

Bebo Valdes - relatossalseros.wordpress.com
Bebo Valdés

La Orquesta Aragón será la charanga más importante de esta década, ya que Benny Moré la exigía como complemento a sus actuaciones.

Orquesta Aragón: El baile del suavecito (extracto)

Las charangas habían empezado a introducir trompetas y trombones, lo cual no tuvo excesivo éxito en Cuba, pero sí en nueva york (más hacia los años 60), como en la charanga moderna de Ray Barreto.

ray barreto - relatossalseros.wordpress.com
ray barreto

Es aquí en los 50, cuando empiezan a exportarse a Nueva York, donde compitén de tú a tú con las big bands de Machito, Tito Puente, y Tito Rodríguez hasta principios de los 60.

Charlie Palmieri y su Charanga Duboney: Buche y pluma na ma (extracto)

En esta década, el combo de puertorriqueños Rafael Cortijo con la voz de Ismael Rivera terminarán sonando en todo el Caribe con su particular forma de interpretar la bomba y la plena, bailándola incluso en en escenario.

Rafael Cortijo e Ismael Rivera - relatossalseros.wordpress.com
Rafael Cortijo e Ismael Rivera

Junto con Benny Moré, Ismael Rivera se convertirá en una de las voces de referencia para la historia de la música caribeña. Se le conocerá también como el sonero mayor.

Rafael Cortijo y su combo con Ismael Rivera: Déjalo que suba (extracto)

Rafael Cortijo y su combo con Ismael Rivera: Si yo te contara (extracto)

En los años 60, la pachanga, creada originalmente en cuba en 1959 por Eduardo Davidson, será allí prohibida por el exilio de éste ante el castrismo, siendo a la vez acogida con gran éxito en Nueva York, donde las charangas a ritmo de pachanga subirán como la espuma.

La entrada de la revolución en Cuba, será un momento crítico para la música caribeña. Desde ese momento, la industria norteamericana dejará de promoverla, y multitud de sus artistas buscarán refugio en Nueva York.

Allí se verán obligados a incorporar nuevos géneros en forma de fusión, como el jazz. Los músicos puertorriqueños se harán eco de estas nuevas tendencias, formándose la base de lo que será la salsa.

Años 60 a actualidad Cuba

En los 60 y 70 despuntan los Van Van, con el llamado songo, que fusiona el son con intrumentos eléctricos norteamericanos.

Juan Formell y los Van Van: Chirrín chirrán – 1974 (extracto)

No obstante a esto, a partir de los 60, en Cuba se empieza a generar la llamada timba cubana, que aunque muchos la ubican ya en el año 2000 o en los 90, en palabras del propio Juan Formell, timba es la música cubana hecha en Cuba a partir de la revolución.

Lo relativo a la timba, que se generó de forma paralela a la salsa en el resto del mundo, está mucho más detallado en su propio apartado en esta web: Timba cubana: Historia y caracterísictas (acceder)

Siglo XX en Nueva York

Años 30 en Nueva York

En 1930, el clarinetista cubano Mario Bauzá llegó a Nueva York enamorado del jazz por una visita 4 años antes. Amaba El Harlem por sus grandes clubes con espectáculos musicales: Apollo, Savoy… y por encontrarse allí libre de racismos. Años más tarde se hizo trompetista en una banda de swing.

Mario Bauza - relatossalseros.wordpress.com
mMrio Bauzá

Mientras Bauzá avanzaba en su conversión hacia el jazz estadounidense, la música cubana ganaba adeptos en Estados Unidos. En 1931 una orquesta cubana convirtió el disco El manisero en todo un éxito.

Las millonarias ventas pusieron de moda el baile de la rumba en los años 30, y las orquestas latinas se volvieron la atracción en salas de baile.

Pastel de limón y merengue: Jazz sobre ritmo afrocubano.

Bauzá llevaría a Nueva York desde Cuba a su cuñado, al que se le conocería como Machito, excelente cantando y con las maracas. Formó la orquesta Machito y sus afrocubanos. Quisieron dar a conocer que la base de su música era africana, debido a sus orígenes.

Su público base, serían los más de 30.000 puertorriqueños que había en nueva york, casi todos al este de Harlem, el llamado spanish-harlem, o el barrio. La mezcla de jazz y ritmos tradicionales influyo directamente a esta nueva generación de latinos en Nueva York. El estilo fue llamado también, latin-jazz.

Machito y los afrocubanos - relatossalseros.wordpress.com
Machito y los afrocubanos

Se convirtieron en un puente entre dos mundos, encontrando éxito en los clubes y salas de baile para blancos en Manhattan, siendo la orquesta del club La comba durante 3 años. Mezclaban la música animada hacia el público blanco, con mensajes encubiertos hacia los conocedores de la cultura cubana.

Años 40 en Nueva York

En los años 40, los Machito afrocubanos lanzaron su tema estrella, Tanga. Seguían con improvisación de jazz sobre base afrocubana, con intenso sonido de trompeta sostenido. Serían la raíz de lo que Miles Davis experimentaría mucho más tarde. Atraerían por entonces, a los músicos más de jazz innovadores del momento.

Machito y los afrocubanos: Tanga (trompeta sostenida)

A finales de los 40, Cándido Camero y otros congueros, como Mongo Santamaría y Armando Peraza, llegaron a Nueva York, y comenzaron a transformar la música popular, integrando la conga en una nueva fusión de jazz. El conguero cubano Chano Pozo, fue incluido en la orquesta de Dizzy Gillespie, siendo todo un éxito. Con el tema Manteca hicieron una de las melodías más distintivas del jazz afrocubano.

Cándido Camero: Manteca (extracto)

Años 50 en Nueva York

A principios de los 50, el mambo explotó internacionalmente, siendo el cubano Pérez Prado, de Ciudad de Méjico, uno de los más reconocidos mamberos. Aunque la primera pieza de mambo, había sido inventada en Cuba a finales de los años 30 por el pianista Orestes López y su hermano Israel (alias, Cachao), bajista. estaban buscando la manera de amenizar el danzón. Para ello utilizaron la síncopa.

Perez Prado - relatossalseros.wordpress.com
Pérez Prado

El mambo fue adoptado por otros compositores cubanos, que además le dieron valor al hecho de que tenía su propio estilo de baile.

Aunque la mayoría de estados unidos vio a Pérez Prado como el rey del mambo, Nueva York le otorgó ese privilegio a The Big 3: El puertoriqueño Tito Rodríguez, galán también conocido por sus boleros, el neoyorkino nacido en el barrio hijo de puertorriqueños Tito Puente, y cuya pasión había sido el swing, pero que encontró su sitio en las bandas latinas de el barrio, bajo la tutela de Mario Bauzá y otros.

The big 3 y Tito Puente - relatossalseros.wordpress.com
The big 3 – Tito puente

Revolucióno los timbales, haciendo que vibrasen las orquestas. Su carrera como líder de orquesta y arreglista durará más de cinco décadas. Mario Bauzá dijo que nadie había hecho más que él por la música afrocubana.

Tito Puente: Para los rumberos (extracto)

Cerca del centro de Manhattan, el Club Palladium era la referencia del mambo. Albergaba a gente de todas las razas y religiones, todos ellos bailando juntos, algo que era tremendamente transgresor en la américa de los años 50, más aún teniendo en cuenta lo atrevido de los movimientos que se hacían en la pista.

Allí se iba a vestido elegantemente a bailar y a hacer vida social nocturna. La música consiguió integrar judíos, italianos, afroamericanos, latinos… y hacer que compartiesen local y pista de baile. Caló de forma muy profunda en el público judío. muchos de ellos refugiados del holocausto.

La música latina significaba, en cierto modo, un acercamiento sexual entre jóvenes que, por aquella época no practicaban de otra forma.

El Palladium fue también, escenario de multitud de músicos de fusión jazz-afrolatino. Pronto empezó a ser un referente de ocio para todo tipo de celebrities, siendo también un impulsor de carrera profesional para bailarines. La italoamericana Millie Donay y el puertorriqueño Pedro «cuban pete» Aguilar, fueron los referentes en este sentido.

Millie Donay y Pedro (Cuban Pete) Aguilar - relatossalseros.wordpress.com
Millie Donay y Pedro (Cuban Pete) Aguilar

Ambos fueron evolucionando en su estilo de baile, y motivaron el nacimiento de otros súper-bailarines del momento, como Agustín «Augie» Rodríguez y Margo Bartolomé, que serían pioneros en introducir giros y deslizamientos en el mambo.

El mambo influiría también en Broadway, concretamente en el musical West side story, donde se mostraría la lucha social del más de 500.000 de puertorriqueños que vivían en Nueva York en los años 50.

En 1955, Pérez Prado sacaría un nuevo éxito llamado Cherry pink and apple blossom white, que daría origen al chachachá ,visto por muchos como un nuevo baile cubano más fácil de bailar, ampliando así el atractivo de la música latina en Estados Unidos.

Pérez Prado: Cherry pink and apple blossom white (extracto)

Años 60 en Nueva York

Con la entrada de Fidel Castro al poder en 1959, Estados Unidos cortó todo tipo de influencia cubana en su territorio, lo que provocó una decadencia de la música latina, que se vio más acrecentada aún con la irrupción de Los Beatles y en rock and roll a mediados de los años 60, que cautivó en el norte y suramérica.

El rhythm and blues pasó a adueñarse de, hasta el este del Harlem. pero es curioso apreciar cómo en sus inicios, el rock and roll tuvo la influencia de compositores latinos, como se aprecia Save the last dance for me de The drifters, o Louie louie de The kingsmen, basada esta última en un chachachá de René Touzet.

The rolling stones: I can’t get no satisfaction (extracto) – muestra de su base chachachá

Pero los músicos latinos crearon su propia versión de rhythm and blues y rock, el boogaloo latino, fusionando ritmos traducionales latinos en ello, que incluiría el boogaloo blues, con artistas como Johnny ColonJoe CubaPete Rodríguez, o Joe Battan, atraidos también, por su sencillez musical en comparación al mambo.

Pete Rodríguez: Micaela (extracto)

El boogaloo latino abrió las puertas a Willie Colón, adolescente trombonista de 14 años del sur del Bronx, que sería un icono de la salsa años más tarde en los 70. Contratado en 1967, con 16 años, por la discográfica local Fania Records para tocar junto a Héctor Lavoe, puertorriqueño de origen que recién había inmigrado a NuevaYork, y que no se vio convencido por la nueva banda, pero siguió trabajando con colón durante 8 años más.

Pero su primer disco, El malo, fue un éxito en el barrio e impulsó a Fania, co-fundada por el dominicano Johnny Pacheco, que no disfrutaba del boogaloo aunque le generase ingresos, ya que su experiencia musical venía de las orquestas latinas neoyorquinas de los años 50, y de su propia banda latina de principios de los 60.

En sus inicios en Fania Records, Pacheco se encargaba de distribuir los discos él mismo, con su coche, por Nueva York y por el Bronx. encontró financiación en el italoamericano Jerry Masucci, con quien cofundó la discográfica.

Johnny Pacheco y Jerry Masucci - relatossalseros.wordpress.com
Johnny Pacheco y Jerry Masucci

Será en Nueva York donde se le agreguen trompetas y trombones, como Barreto, o violines, como Joe Quijano en su conjunto Cachana.

Joe Quijano: La pachanga se baila así (extracto)

Además de las ya nombradas, las de Mongo SantamaríaOrquesta Brodway serán de las más influyentes, sin llegar ninguna al nivel éxito de la moderna de Ray Barreto.

Ray Barreto: Buaguancó bonito (extracto)

Ray Barreto: Salsa y dulzura (extracto)

A mediados de década, pequeñas agrupaciones como la de Joe Cuba o Richie Ray dominarán la escena neoyorquina.

Joe Cuba - relatossalseros.wordpress.com
Joe Cuba

A partir de 1965, las charangas y big bands comienzan a decaer, y en los siguientes 2-3 años termina de germinar el gran salto hacia la salsa. las condiciones sociales de los inmigrantes puertorriqueños necesitan una música con la que identificarse, y la dulzura de la charanga no refleja la violencia y penuria con la que éstos viven en El Bronx.

La inmigración de músicos cubanos y puertorriqueños hacia Nueva York desde los años 20, se encargarán de hacer el resto desde finales de los 60.

Años 60 en San Francisco

En San Francisco, Bill Graham recrearía su propia versión del Palladium (Manhattan años 50) en el Fillmore, salón de baile psicodélico que crearía tendencia entre los de su género.

Allí conocería a Carlos Santana, mejicano de origen, violinista ambulante en su niñez, y acompañante de su padre por los peores tugurios e Tijuana en su adolescencia, que emigrando a San Francisco encontró su pasión en la guitarra, y más concretamente en el blues bajo la influencia de BB King y desconocedor de Tito Puente y sus contemporáneos latinos. Su banda hizo blues-rock en sus inicios, evolucionando hacia sonidos fusión con nuevos integrantes, como Mike Carabello, de familia puertorriqueña, que introdujo la conga en ella, Chepito Areas (timbales) de Nicaragua, Gregg Rollie (órgano) de Seattle, Michael Shrieve (batería) de San Francisco, o el afroamericano David Brown (bajo), llevándola hacia el jazz-rock con influencia latina, creando un auténtico estilo propio basado en una fusión de razas ya en 1969.

Se encargaría (Bill Graham) de promocionar la banda, impulsándola hacia estilos latinos.

El 16 de agosto de 1969, Santana (su banda) debutó en Woodstock (Nueva York) ante más de 500.000 personas. Haciendo sonar una fusión de rock, blues, y percusiones afrocubanas, siendo uno de los éxitos del festival, pasando a ser conocidos a nivel internacional, siendo la primera súper-estrella para el mundo latino en estados unidos.

Santana: Soul sacrifice – 1969 Woodstock (extracto)

Años 70 en Nueva York

Pacheco y Masucci combinarían la fuerza del boogaloo con el arte de los ritmos cubanos tradicionales, tratando de generar tendencia en el público latino que buscaba una identidad musical.

Apoyándose en el estilo duro de gangster que se sentían identificados los neorriqueños, Willie Colón y Héctor Lavoe dieron en el clavo con esa identidad propia que buscaban, con discos como Cosa nuestra, Vigilante, The good the bad the ugly, o The hustler, en los que se mostraban al público vestidos como gangsters.

Willie Colon y Hector Lavoe - Portadas de discos - relatossalseros.wordpress.com
Willie Colón y Héctor Lavoe – portadas de discos

Dejando el boogaloo y yendo hacia ritmos más latinos, llegarán en esta década grandes éxitos para ellos como Todo tiene su final. Lavoe y su sabor puertorriqueño cantando, fue determinante en esta explosión. fusión entre música bronx y puerto rico.

Willie Colon y Hector Lavoe - relatossalseros.wordpress.com
Willie Colón y Héctor Lavoe

A principios de los 70, Willie Colón viajaría varias veces a puerto rico, donde se enriquecería musicalmente con con su tradicional música jibara, descubriendo el cuatro, y empezando a construir música incluyendo esta influencia.

Cuatro instrumento - relatossalseros.wordpress.com
Cuatro

Como ejemplo, el tema La murga, inspirado en sonidos que conoció Colón en Panamá, y que ha sido utilizado en multitud de salsas posteriores.

Willie Colón: La murga (extracto)

Este nuevo estilo impactaría al panameño Rubén Blades, que cambiaría el formato de la salsa.

Ruben Blades - relatossalseros.wordpress.com
Rubén Blades

En ese arranque de década, Fania empezó a romper el mercado. en agosto de 1971, se organizó el evento Fania All-Stars en Cheetah Club, dirigido por Johnny Pacheco con los mejores salseros del momento en Nueva York, siendo un auténtico éxito con una afluencia masiva de público, siendo una de las noches más mágicas de la historia de la música latina, conocida como el nacimiento de la salsa. Muchas y distintas ramas de la música latina convergieron en Nueva York para crear el sonido latino de los 70, el sonido salsa.

Se hicieron arreglos sobre base musical cubana, con influencia de rock y jazz. allí estaba, entre muchos otros, Cheo Feliciano.

Fania All Stars 1971: Anacaona (extracto)

La salsa supuso una válvula de escape para los problemas de la deprimida comunidad latina de el barrio. Mientras tanto, Fania fue comprando discográficas hasta quedarse reinando en el sector. La salsa pasó a ser la música identitaria de los latinos en Estados Unidos.

Masucci impulsó la salsa fabricando películas de sus eventos, de igual modo que se hizo con Woodstock. También tuvo problemas que vinieron con el descontento de alguno sus artistas para con él, argumentando que les explotaba económicamente, muriendo algunos de ellos en el umbral de la pobreza. En cualquier caso, Massucci supo comprender a su público mucho mejor que sus propios artistas.

Larry Harlow, nacido en Brooklyn en una familia ruso-judía, y educado en la música clásica, fue destacado músico y productor de Fania. En su adolescencia comenzó su interés por la música latina durante su adolescenca con músicos del Harlem. En los 70 sacaría el éxito La cartera.

Larry Harlow -La cartera (extracto)

En agosto de 1973, Massucci decidió organizar otro evento Fania All-Stars en el yankee stadium, esta vez para 45.000 personas. otro éxito, hasta que el público enloquecido, empezó invadir el campo y a subirse al escenario en masa y hubo que parar el concierto.

En 1974, Héctor Lavoe iría a Puerto Rico a cantar, donde convirtió Mi gente en un himno para la salsa.

Héctor Lavoe: Mi gente – Puerto Rico 1974 (extracto)

En ese mismo concierto, la mítica Celia Cruz fue presentada como una de las estrellas que pasaba a formar parte de Fania. su bagaje se remontaba a los años 40 en Cuba, desde emisoras de radio a clubs de música en vivo. Celia Cruz representaba el peso de la vieja escuela.

Celia Cruz - relatossalseros.wordpress.com
Celia Cruz

En 1976, Masucci se propuso sacar la salsa de el barrio e integrarla en la cultura pop estadounidense, para ello utilizó su película salsa, con la colaboración de, entre otros, Jorge Santana (hermano de Carlos) en el reparto como guitarrista. Pero la crítica no fue buena, y Fania vendía más fuera de Estados Unidos que dentro, y las Fania-Stars hacían giras por el mundo entero, triunfando África, Asia, Europa, y especialmente en Latinoamérica. y a diferencia de lo que decían otros, Willie Colón le reconoció a Masucci el lugar artístico, social, y económico en el que les había puesto.

En 1977, Rubén Blades graba su primer disco en Fania con Willie Colón, incluyendo letras sofisticadas en las canciones, lo que supuso un nuevo revulsivo para el género. La salsa comenzó a tener contenido social y político en sus letras, expandiendo sus canciones más allá de su público habitual, permitiendo ser escuchadas no sólo para bailar. Su disco Siembra vendió 500.000 copias sólo en Caracas, algo sin parangón para entonces.

Rubén Blades: Pedro Navaja (extracto)

A partir de ahí, con la irrupción de productoras discográficas en Hispano-América comenzó el lento declive de Fania Records. Héctor Lavoe se hunde en el mundo de las drogas, y Blades le regala la canción El cantante, que sería en el icono de Lavoe. A finales de década, Fania ya estaba prácticamente hundida y con sus estrellas dispersándose por otras productoras, cesando su actividad en 1979.

Héctor Lavoe: Periódico de ayer – Sala Palladium 1988 (extracto)

Nueva York Años 80 a actualidad

A partir de los 80, la salsa se internacionaliza, y lógicamente es en Latinoamérica donde mayor calado tiene.

Surgen nuevos conceptos, como la salsa romántica, donde el tempo de las canciones es mucho más propio para el romanticismo en comparación con la música de orquesta de décadas anteriores.

Las orquestas, en muchos casos, pasan a ser grupos de músicos más reducidos, y la salsa como baile arranca una auténtica carrera en su perfeccionamiento.

Conforme vaya teniendo más tiempo, iré diseccionando la salsa por países, subgéneros, y estilos de baile, pero si has llegado hasta aquí leyendo, ya te habrás enterado de muchas cosas.

Epílogo Nueva York: NY años 60 vs Madrid 2020

La salsa ha sido un movimiento integrador de culturas. La Sala Palladium de Nueva York, daba cita bailarines de todas las razas y culturas, al igual que lo hace cualquier sala de baile de Madrid.

La notable diferencia en el boom salsero de medio siglo de diferencia, es que en Estados Unidos estuvo ligado a la música en sí, mientras que en Madrid viene ligado al baile. Es verdad que el mambo ya se bailaba en los 50 con movimientos espectaculares, pero nada tiene que ver la forma de bailar salsa de los 70 en estados unidos, con lo que se ve en madrid en 2020. Aquí y ahora, se presta mucha más atención a disfrutar haciendo figuras, que a bailar mientras se escucha una música que llega a las entrañas.

Desde los 80, en Latinoamérica se ha promovido la salsa también como baile, de eso no nos podemos olvidar. De hecho, no me cabe duda de que el continente de la salsa es Sudamérica.

Ambos movimientos tuvieron su razón de ser. El Nueva York de mitad del siglo 20 buscaba dar salida a una sociedad deprimida después de la segunda guerra, con una tremenda inmigración latinoamericana a suelo estadounidense que necesitaba una seña identidad. El Madrid del primer cuarto del siglo 21, ha buscado una salida a los bares de copas tradicionales, donde el alcohol no deja lugar a un ocio saludable, generando un público desencantado. De igual forma, la salsa en Madrid es un excelente medio para conocer gente, y ha sido fuente de ingresos para una sociedad que no termina de recuperarse de la crisis de 2010.

La gente de el barrio escapaba de sus problemas con la música latina, algo idéntico a lo que está sucediendo con la salsa, que se está utilizando en muchos casos como una válvula de escape a los problemas cotidianos como estrés, soledad, o dificultad económica.

Inicialmente en nueva york, los músicos creadores de sonido jazz-afrocubano eran inmigrantes latinos, de igual forma que la salsa en Madrid tuvo en sus inicios una mayor afluencia de público inmigrante. En ambos casos, la cultura salsera se extendió más allá y alcanzó a la población original neoyorquina y madrileña respectivamente.

Los palladium y Apollo de nueva york, son los Pincel y Tropical House de Madrid. Lógicamente, el devenir de los años ha ido cambiando las bandas por los DJs, lo que ha cambiado la magia del directo, lo cual es lógico desde el punto de vista del hostelero.

Palladium vs Pincel - relatossalseros.wordpress.com
Palladium vs Pincel

La Fania Records de los 70, es el Salsea de esta década, con Pablo Vilches haciendo las veces de Jerry Masucci. Es curiosa la similitud que hay entre ambos movimientos, cómo los All Stars de Fania se ve reflejado en los Salsa Festival de Salsea.

Era todo un lujo estar en esa selección de músicos, de igual forma que lo es poder dar talleres en un súper congreso. En ambos casos, los promotores se encargaron de seleccionar lo mejor del momento, de generar macro-shows, de innovar, de ser un referente.

Por seguir haciendo analogías, Masucci creó las películas de salsa, y Vilches se ha subido enseguida al carro de los talleres live-streaming.

No sabemos todavía si Salsea terminará como Fania, de la que se fueron disgregando sus mejores músicos hacia discográficas emergentes en todo Estados Unidos y latino-américa, pero ambos entes han pasado ya a la historia de la salsa, cada uno en su latitud, cada uno en su momento.

Fania vs Salsea - relatossalseros.wordpress.com
Fania vs Salsea

Siglo XX en Colombia

Introducción

Colombia es salsa. Lo fue por completo desde los 70 hasta mediados de los 90, y desde entonces, nunca ha perdido sabor.

Sus emisoras de radio, que fueron las que introdujeron el sonido en el país, siguen encargándose de generar arraigo. Radio Caracol tiene una sección de salsa. Los goles de la selección se celebran bailando, como cualquier otro evento que les provoque alegría.

La mayor parte de su población sabe moverse a su ritmo, y como país, ha dado miles de músicos y de bailarines. De sus muchas influencias, la caribeña es la que más ha marcado su tendencia artística.

Bogotá

En Bogotá, capital de colombia y receptora de emigrantes de toda ella, la salsa ha dejado un importante legado social y cultural.

A principios de los 60, recibió una intensa inmigración desde zonas rurales, que se estableció en la periferia de la ciudad, creando nuevos barrios. De esta forma, entre los 50 y los 60 se duplicó la población, llegando a más de 1.500.000 habitantes, llegando este número a más de 2.500.000 a mediados de los 70.

Al igual que en Cali, también hubo una importación cultural y musical procedente del Caribe, que convirtió la ciudad en un crisol de culturas que promovió que en Bogotá se diese lugar a una música distinta a la tradicional hasta entonces, concretamente los ritmos antillanos.

Bogotá años 60 - relatossalseros.wordpress.com
Bogotá años 60

Y de igual forma, las fiestas populares permitieron una fusión de público de diferentes razas y clases sociales.

La salsa entra en Bogotá a finales de los sesenta por el Puerto de Buenaventura, Barranquilla, y Cucutá, gracias programas de radio conducidos por Miguel Granados (Viejo Mike).

Miguel Granados Arjona - relatossalseros.wordpress.com
Miguel Granados Arjona

Eran centenenares los discos importados desde Venezuela y desde Nueva York, con la dificultad que conllevaba en aquella época por la carencia de infaestructuras y exceso de trabas legales.

Granados, original de Barranquilla, arranca como locutor en Bogotá en los 50, en emisoras focalizadas entonces en sonidos andinos, propios de la época. Es él quien introduce la identidad caribeña en las emisoras con bandas como Sonora Matancera en los años 50, programas como El rincón costeño. En la década de los 60 (salsa swing, salsa criolla y otros estilos costeños, como la cumbia o el vallenato), y salsa de Nueva York en los años 70, recibida inicialmente entre críticas.

Fueron programas como El show de Miguel Ángel Granados Arjona en Radio Continental, Salsa y picante en Radio capital, los que utilizó para ese cambio de tendencia.

En los 60, el los barrios más populares, se empezó a bailar el las casas aprovechando las celebraciones y eventos de todo tipo, aunque bazares (mercados populares) y verbenas también eran sitio de baile. En ambos escenarios, se fomentaba el sentimiento familiar y el de comunidad.

Posteriormente, arrancaron las discotecas salseras en formato matiné (horario vespertino, desde después de comer hasta última hora de la tarde) y en sesiones nocturnas a partir de las 9-10 de la noche. En estas últimas se incluía ya el consumo de alcohol. Estas fiestas, especialmente en casas, se prolongaban durante días.

La gente joven, se escapaba de casa durante horas, a espaldas de sus mayores, para poder ir a discotecas salseras que abrían toda la noche.

A las fiestas en casas y en discotecas, se sumaron las Coca-Colas bailables, que eran eventos organizados por los padres para que sus hijos adolescentes bailasen sin consumir alcohol, y donde la única bebida disponible era la gaseosa.

Era normal que esta gente joven, a escondidas de sus padres, ensayase movimientos en casa delante del espejo. Fueron muchos los que se lanzaron al mundo de la salsa como bailarines profesionales o participantes en concursos. Dichos concursos fueron muy numerosos y se hicieron tremendamente famosos, sacando a la luz montones de bailarines que cobrarían renombre a través de ellos.

La caseta internacional de las estrellas - relatossalseros.wordpress.com
La Caseta Internacional de las Estrellas

Se hacían rondas de distintos estilos, por ejemplo mambo, pachanga, son y descargas (salsa), y el público iba eligiendo quien se iba quedando, hasta llegar a un ganador. En un principio, se hacía más piso (pasos libres), para ir evolucionando hacia las acrobacias (figuras), y porras (acrobacias estilo cheerleeaders).

Las fiestas populares posibilitaron un encuentro entre generaciones, donde los más jóvenes aprendían de la vieja escuela mientras ellos mismos creaban su propio estilo y nuevas tendencia. En ellas, se dio pie a la rumba salsera de los años 70 y 80.

Fiesta popular Bogotá - relatossalseros.wordpress.com
Fiesta popular

La vestimenta salsera también fue una parte de la identidad salsera en Bogotá, donde los colores vivos y llamativos cobraron fuerza. El rumbero pasó a vivir por y por su causa, limitando su entorno a ese micromundo, dándole la la mayor de sus prioridades.

A principios de los 70, abrieron las discotecas Mozambique, El tunjo de oroEl goce paganoLa gaité, o La alfombra mágica, entre otros, en el barrio latino (actual barrio de Santa Fe), que sería el núcleo de la rumba salsera, ya la vez sería la zona más bohemia, comercial, y canalla (en todos los sentidos) de la época. La gaité incluyó la novedad de hacer actuaciones en directo, y para muchos se erigió como el mejor local de la ciudad.

El tunjo de oro - relatossalseros.wordpress.com
El tunjo de oro

Por su parte, la Calle Hollywood (hoy Calle 19) acogió las casetas de venta de música en forma de acetatos de todos los géneros. El trabajo para mantener la calle con un aspecto uniforme y atractivo ayudó a su auge.

Caseta Matancera - relatossalseros.wordpress.com
Miguel Granados Arjona (Viejo Mike) y Mamboloco en La Caseta Matancera
Ricardo Ray y Bobby Cruz - relatossalseros.wordpress.com
Richie Ray y Bobby Cruz

Cabe destacar a Mamboloco, bailarín destacado de la época que se inició su carrera con diez años (mediados-finales de los 50), teniendo propia caseta de música (La matancera), y que fue un icono del baile tanto en Bogotá (promoviendo discotecas como Palladium – en Bogotá – y coca-colas bailables) como en estados unidos, donde era bien conocido por el entorno musical latino en los 80. Aprovechaba sus viajes para llevar cassetes con música norteamerica a Bogotá. tendría un trágico final marcado por problemas legales y de otra naturaleza.

Mamboloco - relatossalseros.wordpress.com
Mamboloco (a la izquierda)

La rumba salsera, y posteriormente la salsa en sí, entró por la zona sur, pero en paralelo creció por toda la ciudad, incluido el barrio chapinero, de tradición cultural y salsera.

En dicha sector sur, es donde arrancó con más fuerza la salsa alrededor de los jóvenes, con la apertura de las discotecas salseras, donde eran también vistas como un espacio de socialización.

La zona norte también tuvo sus sitios, quizás para gente más pudiente, como la Sala catatumbas,

El 8 de agosto de 1980, Fania All Stars tocó en Bogotá dos veces, la primera para 1.000 presos de la cárcel modelo, la seguna para 20.000 salseros en el estadio el campín, donde hubo problemas eléctricos que no dejaron terminar el concierto y provocaron graves altercados en toda la ciudad.

De los años 80 y hasta mediados de los 90, la salsa logró ser hegemónica. De aquella época, sitios como El sol de medianoche, Independencia, Escalinata, o la famosa Caseta internacional de las estrellas. Noches enteras bailando, que terminaban con los bailarines desayunando juntos en bares.

Posteriormente entrarían otros géneros competidores, que tampoco han terminado nunca de desplazarla.

Salsoul - Bogotá - relatossalseros.wordpress.com
Salsoul
la montaña del oso - el corzo de la 72 - el tunjo de oro - relatossalseros.wordpress.com
De arriba a abajo y a la derecha: La montaña del oso, El corzo de la 72, y El tunjo de oro
Salsa camará - relatossalseros.wordpress.com
Salsa Camará

Con el boom de los 80, en algunos locales elitistas en cuanto a público (nivel económico) surgieron los derechos de admisión , ya que parte del público no se sentía cómodo con la gente de menor nivel social bailando con ellos. con ropa excesivamente deportiva, especialmente el calzado. Pero era tal la pasión que se sentía por la causa, que la gente iba a su casa a cambiarse de ropa y volvía al local con zapatos.

La salsa se vivía como un estilo de vida. Mucha gente a penas admitía otros géneros musicales.

Grupo niche: Un día después (2010)

Las nuevas generaciones están retomando en parte, la pasión por sus raíces salseras, quizás con un estilo diferente, pero manteniendo su esencia, dejando un poco a un lado el factor comercial y sacando su parte más sentimental.

Para el recuerdo quedarán grupos que sonaron (y siguen sonando) a raíz de aquel boom de más de dos décadas: Grupo Niche, Orquesta Guayacán, Willie Salcedo

Epílogo Bogotá: Las rutas fiesteras

Una ciudad que vivió por y por la salsa entre las décadas de los 79 y los 90. Generaciones enteras crecieron viviendo por y para ella, en su estilo de ropa, su forma de vivir la noche (y el día), de enfocar sus relaciones personales. Muy enfocada a sus bailarines, con concursos alrededor de toda la ciudad, y jóvenes tomándola como la mayor de sus pasiones. 

En la actualidad, sigue siendo un género puntero. las nuevas tendencias no logran terminar con ella.

Tomando la misma generación aquí en Madrid, la movida madrileña se encargó de ser un estilo de vida para cientos de miles de jóvenes de aquella época. Fiestas de noches enteras que terminaban de día, e igualmente una forma de vida.

Los 90 en Madrid trajeron el bakalao, otro tipo de fiesta que fue también un estilo de vida, y que supuso el fin de la movida madrileña. Esta segunda etapa en Madrid, ha dejado mucho más huella que la primera. El bakalao pasó a techno, para quedarse en forma de house en muchos locales de la capital que siguen abiertos a fecha de hoy.

Cali

Entre 1935 y 1940 entra en Cali la música cubana y puertorriqueña a través de las emisoras de radio. Hasta entonces, en Cali se escuchaba radio cubana y mejicana.

A partir de los 60, se convierte una de las capitales de la salsa cuando adopta el estilo musical que le viene del Caribe, recibiendo orquestas de Cuba, Puerto Rico y Nueva York, primero bailando, luego haciendo sus propios discos e interpretando sus canciones: Papo Pepín o Ray Barreto (entre otros) influenciarán esta época.

La explosión de Fania Records de los 70, hace que Cali se vuelque con la salsa, dejando en segundo plano su tradición para con el baile del son cubano y son antillano (Matamoros, Benny Moré, Sonora Matancera…). al igual que en Estados Unidos, sus películas petenciarán la cultura-salsa de una forma significativa.

La actuación de Richy Ray y Bobby Cruz en 1968, marca también un cambio de público, que hasta entonces se limitaba a los estratos 1 y 2 (clases sociales más bajas), hacia el 3, 4 y 5 (clases medias-altas). (Ver artículo al respecto de lo que es un estrato en Colombia), convirtiéndose en ídolos durante años.

Aunque las clases más altas siguieron siendo reacias a la salsa, que seguía viéndose como una música popular, fue un punto de partida importante, y logró juntar poblaciones de distintos estratos sociales, lo que fue algo inédito.

Aun estando cerca del Pacífico, la música andina no ha generado a penas influencia, siendo la música de Las Antillas la que ha llenado las emisoras de radio desde principios de los 70.

Cali ofrece una similitud enorme con Cuba y con Puerto Rico en cuanto a tradiciones, lo cual se plasma también en su música y estilos de baile, incluyendo la influencia afrocubana procedente de los esclavos.

Agüelulos: fiestas bailongas para la juventud que se hacían en los bailaderos de Cali en las décadas de los 60 y 70, donde no se servía alcohol.

Dado que la guajiras, el son, y el boogaloo se le hacía muy lento al público de los agüelulos, los caleños empiezan a aumentar las revoluciones de los discos, creando un estilo de baile mucho más dinámico. rompen con el estilo cubano, que se baila en clave, y empiezan a hacerlo con la velocidad de los pies a través de los instrumentos.

Campeones del mundo de salsa caleña (extracto)

Desde entonces, la fama de los bailarines caleños por su calidad, ha traspasado fronteras, siendo abiertamente reconocida inicialmente en puerto rico y en estados unidos, para pasar posteriormente a tener un reconocimiento internacional.

Para millones de personas, Cali es la capital mundial de la salsa, y eso hace que incluso generaciones que han crecido bajo otros géneros, como el rock, siempre se hayan sentido atraidos e influenciados por ella. De esta forma, incluso rockeros o raperos se sienten de una forma especial el sonido de congas y timbales cuando los escuchan. dejándoles mucha huella la tradición familiar que viven desde su infancia.

Incluso el rock y otras tendencias urbanas, llevan consigo el mensaje de barrio adquirido de la salsa. De hecho, ninguno de los de nuevos estilos y tendencias, que han surgido constantemente uno tras otro, como el vallenato, la bachata, el techno, o el reggaeton, han podio con ella.

Buena parte de esta continuidad, viene dada por la percusión que lleva inmersa. La amplitud, variedad, y calidad de sonido de los instrumentos que incluye, de difícil forma se puede ver superada por nuevos géneros con una base rítmica mucho más simple y pobre.

Con el tiempo ha ido tomando una transversalidad que ha hecho que su gente conviva con todos estas nuevas tendencias, pero sin olvidarse de sus raíces, lo que le ha hecho seguir siendo la capital de la salsa.

No obstante, el caracter multicultural y cosmopolita de Cali, le hace también receptor de la influencia andina del pacífico, con su cumbia y otros estilos musicales.

Orquesta Guayacán: Oiga mire vea (extracto)

Epílogo Cali: Tradición salsera Cali vs Nueva etapa Madrid

Hay una parte común en el salsero caleño con el madrileño. en Madrid, en muchos casos se busca la salsa como forma social a partir de cierta edad. cuando las discotecas de siempre se le hacen inviables por edad y por apetencias. Los bailes de salón como forma de arrancar una nueva etapa.

En Cali, buena parte del público salsero, también ha pasado su juventud bailando otros géneros, o tocándolos en el caso de los músicos, sin embargo la búsquedad de la salsa llegada cierta edad, obedece a una tradición familiar que no les es indiferente. Todo el mundo ha tenido alguien cercano que, en su infancia, les ha influenciado en ello. En muchos casos, es como si volviesen a sus orígenes después de su loca juventud.

Huelga decir que en ambos casos (Madrid y Cali), hay mucha gente que disfruta de la salsa durante toda su juventud.

Al respecto de la salsa caleña, dada su dificultad y la rapidez de sus movimientos, teniendo en cuenta que en Madrid buena parte del público salsero está en la mediana edad, no parace que vaya a ser entre las favoritas de las escuelas.

Cali - Festival de salsa popular - relatossalseros.wordpress.com
Festival de salsa popular en Cali

Medellín

Ciudad aficionada al tango y los ritmos antillanos, la salsa entra por las mismas rutas que a Bogotá. de hecho, toda la salsa colombiana entra por idénticas fuentes. De igual forma, se vivió con máxima intensidad en las décadas de los 70 y 80, en la Carrera Palacé, apodada como la calle de la salsa: Aristi, El diferente, Brisas de Costa Rica, Carruseles y otros muchos bares salseros se encargaron de darle tal fama.

Allí se podía disfrutar, además, de todos los ritmos del caribe: pachanga, boogaloo, bolero.. siendo lugares transitados también entre semana como after-work, albergando todo tipo de estratos sociales.

Carrera Palacé Medellín - relatossalseros.wordpress.com
Carrera Palacé – Medellín

En su época dorada, Medellín recibió músicos constantemente que iban buscando hacer directos. Llegaron a tener el llamado salsa-vía, que consistía en ir tocando salsa por la calle.

En 1985 crearon Latina Stereo, emisora de radio salsa 24 horas, que sigue viva a día de hoy.

Latina Stereo (extracto)

Tiene como máximo exponente en música a Julio Ernesto Estrada «Fruko», pionero de la salsa en Colombiaen 1970 formaría el grupo Fruko y sus tesos, siendo de las primeras formaciones en autodenominarse orquesta de salsa. En 1971 ganarían el premio a la mejor orquesta del año en Miami con la Fruta bomba gracias a su popularidad entre sus inmigrantes cubanos.

Julio Ernesto Estrada (fruko) - relatossalseros.wordpress.com
Julio Ernesto Estrada «Fruko»

Famosa por los títeres de la salsa, idea de Efraín Blandón en 1979 para fomentar la salsa.

A fecha actual, la carrera palacé sólo es un recuerdo de lo que fue.

Salsa dura de Medellín

Originada en el Nueva York de los 70, con el latin jazz y la percusión en su base, mucha percusión y, generalmente ritmo acelerado. Lejos de la salsa romántica de los 80. también se le llama salsa brava.

En 2003 se creó la banda Sonora 8, mezclando ritmos afrolatinos, rock, folk, mambo, son, boogaloo, guagancó, cumbia, blues…

En 2004, Bahía soneros sale a la luz, haciendo igualmente salsa dura.

Estos y otros muchos nuevos grupos, están tratando de recuperar el espíritu salsero de antaño, inspirados en grandes de la salsa, como Willie Rosario, la Sonora Ponceña, Héctor Lavoe, etc., adecuándola a los nuevos tiempos.

Jam sessions o descargas: Reunión de músicos que se reunen para tocar en locales con fines lúdicos únicamente, sin nada que tocar predefinido de antemano. En ellas se experimentan buscan nuevos sonidos.

Sonora 8: Negra – Medellín 2009 (extracto)

Epílogo Medellín: Salsa dura fuera del circuito en Madrid

Si eres de los habituales de escuela y fin de semana bailongo haciendo figuras, difícilmente vas a encontrar salsa dura por la en Madrid. aquí puedes encontrara mambitos para hacer línea, y romantiqueo, y salsa ochentera llena de melodía.

Nota noviembre de 2019: Ha surgido un movimiento que yo denomino La tribu de la salsa dura, propiciado por varias sesiones como La Mafia del Guaguancó, Sandunga, La Malanga, y otras que son 100% salsa brava y que están siendo parte de lo que yo considero el grupo salsero de resistencia en Madrid.

Alguna vez que he ido a La Negra Tomasa, he visto ese estilo de música a última hora (después de las actuaciones), con afrocubanos haciendo las delicias de un público más alternativo al salsero habitual.

He oído hablar también de saraos en el patio maravillas con la percusión como protagonista, pero no lo puedo confirmar porque no he estado nunca.

Epílogo Colombia: Salsa colombiana en Madrid

Poco puedo decir de la salsa colombiana aquí en Madrid. sé que hay buenos profesores colombianos en el circuito, y alguna vez he estado en alguna discoteca puro-latina, que nada tienen que ver (bajo mi punto de vista) con las del circuito madrileño del que tanto he hablado.

También he seguido alguna página de salsa caleña en Madrid, y he estado en algún grupo, pero al final no me he animado nunca a hacer ningún taller.

A diferencia de los cubanos, que aquí en Madrid sí han sabido vender su salsa y costumbres, creando sus escuelas y congresos que se llenan de españoles, los colombianos dan una impresión de haber estado más cerrados a ellos mismos.

Cuando he estado en algúna sala de baile frecuentada por colombianos,  les he visto sentados en mesas entre grupos de amigos, mesas llenas de botellas y cubiteras de hielo, sacándose a bailar entre los del mismo grupo, con mucho proteccionismo para con sus chicas. en pista, pocas figuras y mucho sabor.

Discoteca latina Madrid - relatossalseros.wordpress.com
Discoteca latina Madrid

Siglo XX en Venezuela

Introducción y resumen

Como en el resto del mundo, la salsa en Venezuela entra en los 60 a partir de los nuevos sonidos creados en Nueva York, e impulsada por músicos como Federico Betancourt (Federico y su combo latino), o programas de radio como La hora de la salsa, si bien la rumba y el son cubano estaban ya arraigados desde los años 40 y 50.

Federico Betancourt - relatossalseros.wordpress.com
Federico Betancourt

De hecho, en los años 40 se empiezan a ver las primeras orquestas bailables en Venezuela, influenciadas por la orquesta cubana el Casino de la playa y por las big bands norteamericanas. Hacían guarachas, merengues, boleros, pasodobles, etc., siendo en los 60-70 cuando a todo esto se le añade la fusión de ritmos creada en nueva york para empezar a hacer sonar salsa.

Contando ya en años anteriores con orquestas caribeñas como Billo’s Caracas boys (liderada por Luis María Frómeta «Billo Frómeta»), Los melódicos, o la de Luis Alfonso Larrain, es alcanzada por el movimiento salsero (60s-70s) de idéntica forma que el resto de países caribeños, dando lugar a bandas como La salsa mayor, La dimensión latina, El sexteto juventud, Los satélites, La crítica, La conspiración.

En algún documento se puede oír decir que el primer disco de salsa lo sacó Betancourt en 1964.

Federico y su combo: Pancho y Ramona (extracto)

Es el locutor venezolano Phidias Danilo Escalona, quien desde Radio Aeropuerto comienza a utilizar el término Salsa para referirse al nuevo estilo musical. es él el que le da el nombre a este género.

Radio Aeropuerto (extracto)

En los años 70 Oscar D’León arranca su carrera como solista (aún en paralelo con alguna de sus bandas), llegando con el tiempo a ser una de las figuras de la salsa más reconocidas de todos los tiempos.

Oscar D'León - relatossalseros.wordpress.com
Oscar D’León

Oscar D’León: Llorarás (extracto)

Como en todo latinoamérica, los 80 dieron lugar a la entrada de la salsa romántica en el país.

Hoy en día sigue siendo la música de referencia en Venezuela, con grupos que siguen saliendo al mercado constantemente.

Epílogo Venezuela: Salsa romántica en Madrid

La salsa romántica se baila en Madrid, los clásicos de siempre suenan todos los fines de semana en Tropical House, y le dan un toque especial a las noches salseras. Ahora bien, la forma de bailarla que tiene buena parte del gran público, está más ligada timba cubana y al repertorio de figuras que se aprenden en las escuelas.